В ялте открылась выставка художников юрия вакуленко и николая муравского (фото). Персональная выставка художника Юрия Вакуленко «Дотики

В Ялте в галерее «Почерк» открылась выставка крымского художника Николая Муравского и киевского живописца Юрия Вакуленко «Погружение в красоту».

В целом оба автора представили на суд зрителей 20 работ, созданных ими за последнее время.. По словам организаторов экспозиции, Друзья и единомышленники в жизни, Юрий Вакуленко и Николай Муравский продолжают свой «духовный диалог» и в совместном проекте.

«Творческий тандем этих двух мастеров, на первый взгляд, кажется неожиданным и даже парадоксальным: ведь у художников совсем разные характеры и творческие пути, они работают в разных жанрах, каждый имеет ярко индивидуальный, особенный почерк. Николай Муравский - ялтинский мечтатель и эстет, философ, человек, погруженный в творчество с головой и живущий только им, тонкий портретист с отточенной, почти ювелирной техникой, вдумчивый, интеллектуальный мастер, прорабатывающий свои полотна до малейших нюансов. Юрий Вакуленко - человек-пламя, успевающий все и везде: возглавлять столичный музей русского искусства, заниматься экспертизой и реставрацией, блистать на столичных раутах и, конечно, писать - причем писать, как живет: эмоционально, ярко и изобретательно, прислушиваясь к своей интуиции и создавая на полотнах новые, часто фантастические миры», - пояснили организаторы.

По словам искусствоведов, двух таких непохожих мастеров на одной творческой площадке объединили «эстетизм, общее стремление к одухотворенной гармонии, высоким идеалам, поиск истинной, чистой красоты, ничем и никем не нарушенной, без грамма фальши, без примеси денег и без привкуса нашей циничной эпохи».

«Юрий Вакуленко открывает одухотворенную гармонию в крымской природе - неброском расцветшем кусте, пристроившемся у царской тропы, или в очертаниях гор, отражающих голубизну моря и неба. Находит мастер вдохновение и в каких-то маленьких, почти незаметных всем, кроме него, крымских красотах: загадочных фонарях, рисующих цветовые узоры на ялтинских кипарисах и севастопольской бухте, или в фонтане, искрящемся брызгами во дворике знаменитой ялтинской виллы “Елена”. Любопытно, что все работы Вакуленко из графической серии, представленной на выставке, - пейзажи вечерние или ночные. В них мастер играет с цветовыми контрастами - от иссиня-черной завесы тьмы до ярко-красных выбросов огней большого города, - столь характерной палитрой для крымских летних ночей. Николай Муравский в своих графических работах также отдает дань неброской красоте крымского цветка. Однако главный герой его графической серии - это человеческое тело. Муравский ищет совершенство именно в нем - в сильных изгибах женского торса и почти эллинистических мужских профилях. Художник отдает предпочтение обнаженной женской натуре, однако созданные им образы не вульгарны, и даже не откровенно сексуальны. Графика Муравского демонстрирует высочайший профессионализм рисовальщика. Его линии изящны, точны и «ренессансны». В почти монохромных набросках мастер создает ощущение тончайшей нюансировки цвета, настроения, композиции. В них нет ничего лишнего, ничего, что отвлекало бы от главного - “обнажения” души, стремящейся к гармонии и красоте», - заключили специалисты.

26.11.2014 в галерее «Мистецька збірка» откроется выставка новых работ художника Юрия Вакуленко

В новой серии «Таинственный ночной Подол» Юрий Вакуленко воплощает романтическую атмосферу старого Киева. Художник выбирает уголки, известные только местным жителям. Из-под его кисти возникает подольская «Мореходка», золотистый царский дом в дворике на Ярославской или «голубой» подъезд на Юрковской. На полотнах Вакуленко оживают и заброшенные здания с зияющими черными дырами вместо окон и дверей.

Подол Юрия Вакуленко - как и в реальности - растрескавшийся и обшарпанный. Но через трещинки, дождевые потоки и морщины пробивается яркий цвет - густо-синий, изумрудный, голубой или золотой. Тайны Подола открываются художнику, когда люди расходятся по домам, зажигаются фонари, и звенит последний трамвай... И тогда, в ночной тишине, подольские улицы и дома рассказывают тысячу и одну историю многих поколений киевлян.

Юрий Вакуленко: «Относительно недавно я поселился на Подоле, в доме, который имеет более чем столетнюю историю. День за днем, возвращаясь домой, я узнавал все новые и новые тайны древнего Подола. Иногда я выходил на улицу поздно вечером и заглядывал в самые темные и таинственные места, открывая для себя старые дома, которые ночью оживают и сияют внутренним светом, вытесняя с карты и растворяя в темноте схематические и безликие новостройки».

Об авторе: Юрий Вакуленко - украинский живописец, эксперт по антиквариату. С 2004 г. - директор Национального музея русского искусства. Учился в Киевском художественном институте, который закончил по специальности «художник-реставратор». Работал в центре реставрации и экспертизы Киево-Печерского заповедника, директором которого стал в 1995г. В 1988 г. создал художественное объединение «39,2 °». С 1990 г. персональные выставки проходили в Украине, Италии, Венгрии и Испании. Картины находятся в музейных собраниях Киево-Печерского заповедника, Национального музея русского искусства, в частных коллекциях. Работы выставлялись на аукционах MаcDougall"s и «Корнерс». Член-корреспондент Петровской академии наук и искусств в Санкт-Петербурге, доцент кафедры экспертизы Академии культуры, заслуженный деятель культуры.

Пн - вс: с 11:00 до 18:00

Вход свободный

Галерея «Мистецька збірка»

г. Киев, ул. Терещенковская, 13, вход в арку 2-й двор.

Тел.: +380501364737, +380442341427

[email protected] / www.artzbirka.com

В сущности, в каждом художнике живет музейщик. Об этом рассуждал и Пикассо, сравнивая себя с «коллекционером, собирающим для себя коллекцию и рисуя картины, понравившиеся у других. С этого именно начинаю и я, а потом получается что-то новое» – говорил великий Пабло.

У Вакуленко как у хранителя музейных ценностей есть все основания согласиться с этим утверждением. Более того, будучи еще и реставратором высочайшей пробы, всю жизнь изучая и постигая изнутри глубины великих произведений великих мастеров, он как никто другой знает другую, внутреннюю, «потайную» жизнь старинных полотен: о чем они говорят и о чем молчат, чем болеют и что прячут за непробиваемым стеклом и кракелюром. Возвращаясь к этим неисчерпаемым источникам вновь и вновь, Юрий Вакуленко естественным образом продолжает диалог с ними и на собственных холстах, уже как художник пытаясь разгадать еще неразгаданные доселе головоломки.

«Инфанта» для Юрия Вакуленко – особенно благодатный объект для «разгадывания». Как известно, одна из знаменитых веласкесовских «Инфант» живет в Киеве, да еще и по соседству, а это значит – постоянные встречи, обмен энергиями, пристальный взгляд эксперта. «Чем больше всматривался – тем больше замечал, сколь много сокрыто в этой маленькой девочке, с рождения просватанной и обреченной на пожизненную «золотую клетку», – рассуждает Вакуленко. «Уже более трехсот лет она смотрит на нас, закованная в роскошный наряд как броню, этот состарившийся ребенок с печальной душой, ее взгляд и будоражит, и не дает покоя». После Веласкеса душа инфанты Маргариты не давала покоя многим. Среди них Пикассо, Дали и Миро. В литературе – Уайльд. В поэзии – Антокольский, с его щемящими строками:

«Потом прошли века. Один. Другой, и Третий.

И смотрит мимо глаз, как он ей приказал,

Инфанта – девочка на пасмурном портрете.

Пред ней пустынный Лувр. Седой музейный зал».

Словом, к достойной компании уже в нынешнем, 21 веке, примкнул Юрий Вакуленко. Инфант у Вакуленко несколько и между ними огромная дистанция – они как этапы прожитой жизни. «Не бойтесь зайти слишком далеко, потому что истина всегда еще дальше» – говорил Марсель Пруст. Вакуленко не боится. Он смело вторгается на историческую территорию. Разговаривает с мудрым Веласкесом. И, кажется, ему есть что сказать.

Юрий Вакуленко – украинский живописец и график.

В 1977 г. окончил Бакинское художественное училище им. Азима Азим-заде.

В 1986 окончил Киевский государственный художественный институт (НАОМА) по специальности художник-реставратор.

Основатель художественного объединения «39.2°» (1988).

Заслуженный работник культуры, доцент кафедры экспертизы Национальной академии руководящих кадров культуры и искусств, действительный член Петровской академии науки и искусств в Петербурге (2007), член международной Ассоциации музеев. Ведущий эксперт в области антиквариата.

Генеральный директор Киевского национального музея русского искусства.

Фото Юлии Наумовой

Директор галереи "Триптих АРТ" Татьяна Савченко и художник Юрий Вакуленко

Художник-реставратор по специальности и эксперт по живописи старых мастеров и антиквариату, Юрий Вакуленко уже 10 лет возглавляет столичный Национальный музей русского искусства. По словам Вакуленко, собрание возглавляемого им музея — третье на постсоветском пространстве после Третьяковской галереи и Русского музея в Санкт-Петербурге. Сам он себя называет хранителем раритетов, бесценных произведений, а музей — музейным домом, ведь в этом здании находился особняк семьи Терещенко, где под галерею было отведено всего два зала. Служебный кабинет с развешанными картинами тоже напоминает музейный зал — здесь Юрий Вакуленко поделился с «Капиталом» особенностями внутренней кухни музея, перспективами филиала и рассказал, чем помогают меценаты.

— Можно ли оценить коллекцию музея в денежных знаках? Какие работы являются топовыми?

— Это несколько некорректно. В денежном отношении работы более-менее объективно оценивает аукцион, однако произведения такого уровня, как у нас, просто не появляются на торгах. В музее есть полотна, которые могут стоить и € 10 млн, и € 50 млн. Это тот случай, когда искусство можно назвать бесценным, то есть очень дорогим. Даже принадлежность картин к коллекции солидного музея на порядок повышает стоимость произведения. Впрочем, владеть ими невозможно — это государственная собственность. И любой предмет, который покидает музей незаконно, объявляется в розыск. Около 600 работ нашего музея вывезли во время войны немцы, и до сих пор нет никаких их следов. Основные произведения успели тогда эвакуировать — исчезли преимущественно иконы и искусство второй половины XIX века. Из 13 тыс. экспонатов порядка 5 тыс. сегодня составляют жемчужину коллекции. Наиболее ценными являются произведения художников первого эшелона — Шишкина (пять значительных работ, венец его творчества), Врубеля, Айвазовского, Верещагина, Васнецова, Репина.

— Из этих 13 тыс. всего 900 работ можно увидеть в залах музея. Как вы решаете, что показывать широкой публике?

— Нашему музею уже 92 года, постоянная экспозиция выкристаллизовывалась в течение десятилетий. За небольшими изменениями (15‑20 %) она остается стабильной. Мы увеличиваем количество показов за счет временных выставок и частично меняем экспозицию, демонстрируя 2‑3 тыс. экспонатов в год. К примеру, графика не может больше трех месяцев находиться в экспозиции, она должна «отдыхать». Также организовываем расширенные выставки непосредственно в залах, в этом году к 170‑летию Репина его зал укрепим его же шедеврами. Неизменной остается экспозиция икон — наше небольшое, но ценное собрание.

— Вы наверняка отслеживаете ситуацию на мировом арт-рынке. Какие сейчас тренды в сегменте русского искусства?

— Устойчивым успехом пользуются произведения художников первого эшелона. Кроме, пожалуй, Врубеля, который, несмотря на свою плодовитость, крайне редко попадает на аукционы. Работы первого порядка как появляются, так сразу и уходят. Кризис на цены не повлиял, их стоимость измеряется в миллионах и ежегодно повышается на 10‑20 %.
В последнее время пострадал сегмент произведений художников 1940‑1960‑х, например Сергея Шишко, Николая Глущенко, а также современных авторов. До 2007 года к ним был большой интерес как в Украине, так и в Лондоне, Нью-Йорке, цены на произведения росли, а сейчас они не пользуются спросом. Это связано с тем, что основными покупателями были российские и украинские коллекционеры, которые сейчас не готовы тратить деньги. Ведь коллекционирование требует спокойствия, тишины и стабильности.

— Проводятся ли экспертизы работ музейного собрания?

— Картина в музей попадает, как правило, из известных источников. Некоторые произведения изучаем, осуществляем реатрибуцию, если не уверены в авторстве художника. Мы не проводим технологическую экспертизу, поскольку нет такой возможности — только научное исследование. В коллекциях всех музеев хранятся разные работы и нельзя утверждать, что все они — подлинники. К примеру, известный коллекционер Давид Сигалов завещал нам около 400 работ, и лишь треть из них — безусловные подлинники, музей же хранит все. Однако в основном фонде находятся экспонаты, которые имеют четкое обозначение, провенанс и все необходимые характеристики музейного значения.

— В каком состоянии находятся произведения? Требуют ли они реставрации?

— У нас очень стабильное состояние коллекции. За 10 лет на моей памяти ни одна работа не попадала на реставрацию в аварийном состоянии. В музее существует реставрационная группа, которая периодически осматривает произведения. Считается, что раз в пять лет работа может требовать реставрации. Некоторые произведения из фондов приводим в экспозиционный вид: дублируем на новое основание, удаляем деформации, чтобы их можно было показывать — в новых выставках или обновленной экспозиции.

— У музея с 2009 года появился филиал — Шоколадный домик. Почему там не демонстрируете произведения из коллекции?

— На данный момент там нет необходимых условий безопасности, чтобы показывать постоянную экспозицию из собрания. Если у нас в музее есть семь рубежей охраны, там всего три — этого недостаточно. Шоколадный домик мы унаследовали как детскую картинную галерею, однако на это направление сейчас нет социального заказа. Поэтому мы переформатировали его в художественный центр — проводим выставки, концерты, потихоньку поднимаем планку и меняем идеологию. Но детское направление осталось в приоритете. Хотим создать консервативно-современный образовательно-культурно-художественный центр — расширить лекторий, концертную деятельность, ведь масса творческих коллективов не имеет своих площадок для выступлений. Главное — что о нем уже знают. В хорошее время Шоколадный домик посещают порядка 11 тыс. человек в год.

— Какой бюджет музея и основные затраты?

— В целом бюджет составляет порядка 4 млн грн. Это коммунальные услуги (около 1 млн грн), охрана (более 700 тыс. грн) и зарплата для 100 сотрудников. Эти защищенные статьи у нас финансируются государством, хотя мы уже выделили часть собственных средств на оплату счетов, ведь иначе у нас могут не включить отопление. В 2012 году уже был прецедент: нас выключили на две недели раньше за долги, сотрудники и посетители замерзали.

— На что сегодня прежде всего необходимы средства?

— Нам надо отремонтировать здание музея — старые стеклянные крыши, которые находятся над залом Шишкина и на которых накапливается конденсат. Это требует порядка 1 млн грн. Также в Шоколадном домике нужно делать крышу и фундамент, на что необходимо около 5 млн грн. Кроме того, требуются деньги и на установку сигнализации — примерно 700 тыс. грн. И за собственные средства, учитывая реалии сегодняшнего дня, хотим оборудовать в музее укрепленное хранилище-бомбоубежище.

— Какова посещаемость музея и как отразилась на ней ситуация в стране?

— Во всех музеях наблюдается сокращение количества посетителей до 50 %. В прошлом году у нас было 70 тыс. гостей. На данный момент имеем уже порядка 42 тыс. ценителей искусства. Больше, чем обычно, людей было летом — ситуация немного стабилизировалась, и мы открыли выставку «В едином пространстве». Не закрывались даже зимой — разве что буквально на пару дней, когда перекрывали метро. В удачные годы, например, когда проходила юбилейная выставка Айвазовского, музей посещали по 100 тыс. человек. Однако для нашего музея, расположенного в старом здании, есть граничная цифра посещаемости — более 120 тыс. пропускать не можем.

— Сейчас в музее показывают живопись Анатолия Криволапа. Что еще в планах на этот год?

— 30 сентября открывается интересный проект художника своеобразного сатирического направления Владислава Шерешевского, работы которого тоже есть в наших фондах. В ноябре готовим выставку к юбилею Лермонтова, где представим картину Шишкина «На севере диком» — она является иллюстрацией к стихотворению поэта.

4 млн грн составляет в среднем годовой бюджет Киевского национального музея русского искусства

— Каков должен быть бюджет музейной выставки, чтобы она удалась?

— Мы делали хороший частный проект «Два века» с изданием альбома. Его бюджет — порядка $ 100 тыс. Это даже много. В среднем, чтобы подготовить качественный музейный проект, достаточно 50‑70 тыс. грн.

— Выгодно ли для музея участие в международных проектах?

— Исходя из финансовой составляющей — да. Мы получаем гонорары. В частности, на издание «Киев-Врубель» использовали один из зарубежных гонораров. С точки зрения популяризации, это мало что дает, на узнаваемости за границей и на посещаемости на родине практически не сказывается. В основном мы работали с российскими учреждениями, хотя в последнее время появились проблемы с возвращением экспонатов. По этой причине после выставки Шишкина в Третьяковской галерее мы в двух следующих выставках не участвовали. Работаем и с западными партнерами — Финляндией, где планируется выставка Шишкина, странами Балтии. Зарубежный проект обычно готовится достаточно долго — два-три года.

— У вас есть личная коллекция произведений искусства?

— Когда я еще работал в Киево-Печерской лавре, у меня собралась небольшая коллекция сакрального характера — это именные иконы Георгия Победоносца. Зная мою маленькую слабость, мне их часто дарят друзья. Любимая икона висит в моем рабочем кабинете — этот Георгий переезжает со мной из офиса в офис. Икону я как‑то неожиданно заметил в антикварном магазине, рассказал друзьям. И совершенно неожиданно они подарили ее мне на 40‑летие. Это российская икона начала XIX века оригинальна тем, что Георгий изображен поясной, в то время как обычно его пишут либо в полный рост, либо на коне. Это мой своеобразный талисман. И кстати, этой иконой освящали храм Георгия около Киевского вокзала. Мои взрослые дети также занимаются арт-менеджментом, организацией аукционов, общаются с современными художниками и собирают их работы, а еще произведения украинских художников 1960‑1970‑х.

Юрий Вакуленко — украинский живописец, эксперт по антиквариату. С 2004 г. — директор Национального музея русского искусства. Учился в Киевском художественном институте (сейчас Национальная академия изобразительного искусства и архитектуры), который окончил по специальности «художник-реставратор». Работал в центре реставрации и экспертизы Киево-Печерского заповедника, директором которого стал в 1995 г. В 1988 г. создал художественное объединение «39,2°». С 1990 г. персональные выставки проходили в Украине, Италии, Венгрии и Испании. Картины находятся в музейных собраниях Киево-Печерского заповедника, Национального музея русского искусства, в частных коллекциях. Работы выставлялись на аукционах MаcDougall’s и «Корнерс». Член-корреспондент Петровской академии наук и искусств в Санкт-Петербурге, доцент кафедры экспертизы Академии культуры, заслуженный деятель культуры.

21 мая в галерее «Soviart» открывается персональная выставка художника Юрия Вакуленко «Дотики». На ней представлены три проекта живописца – «Дотики», «Вибрация квадрум» и «Цветные города».

Проект «Дотики» - это серия работ – прикосновений, в которых художник ведет непосредственный тактильный диалог с холстом. Как ребенок, который начинает открывать реальность наощупь импульсивно дотрагивается ко всему, что ему интересно, художник вступает в контакт с миром изображения вначале эмпирически - прикасаясь к поверхности холста рукой. Он ощупывает, тактильно «пробует»ладонью рабочую поверхность холста, оставляя на нем цветной отпечаток своей руки и получив от этого контакта первое впечатление, свежий творческий импульс. Затем живописец берет в руки кисть, чтобы насытить его смысловыми и красочными нюансами и придать отпечатку образную завершенность. В итоге «Дотики» превращаются в ажурно-вытканные композиции с замысловатыми петлями, дугами, завитками, напоминающими узоры и линии на человеческих ладонях.

Четыре больших холста с множественными отпечатками руки мастера – белые на белом, синие на синем, красные на красном и черные на черном – являются центральной ритмообразующей частью всего проекта. Вокруг этого центра хаотично располагаются разнообразные по настроению, цвету, фактуре и размеру«прикосновения» - миниатюры. Любопытно, что некоторые из этих работ написаны на полиграфических принтах, к примеру на приглашениях на арт-выставки. Художник будто бы «пробует» наощупь разные поверхности, любые, какие только попадаются под руку, в том числе те, что были созданы и насыщены информацией до него.

Проект Вакуленко «Вибрация квадрум» был уже представлен публике на прошлогоднем «Мыстецьком арсенале» и предыдущей персональной выставке художника «Созерцание». В этом году живописец выставляет два новых триптиха из этой серии – белый на белом и золото на сером. В художественном познании мира художник использует разные методы, в том числе и супрематический. Строгая красота и гармония квадратов, впервые воспетая Казимиром Малевичем, привлекает и Вакуленко. Вот только в его интерпретации квадраты разноцветные и вибрирующие. Они соединяют застывшую математику четких пропорций и живую энергию вибрации цвета и линий. Ведь именно вибрация является по мнению художника основой, олицетворением жизни как таковой. К тому же, квадраты Вакуленко имеют еще и скрытый, потайной смысл, видный глазу только при ультрафиолетовом освещении.

Несколько работ из цикла «Цветные города», создаваемый художником на протяжении многих лет, представлен на выставке ко дню рождения Киева как дань художника любимому и родному городу. Первая работа из этого цикла «Зеленый город» была написана им еще в начале 90-ых годов, а две последние созданы совсем недавно. Несмотря на огромную временную дистанцию между представленными работами, их объединяет общее символическое прочтение темы города. В городах Вакуленко не увидишь людей, в них не узнаются знакомые очертания или известные архитектурные сооружения. Это похоже скорее на цветные «отпечатки» души или характера города в его разных состояниях и настроениях. «Город – живой организм» - говорит Юрий Вакуленко. «Он меняет настроение и цвет много раз за день. Как человек меняет выражение лица.»
И еще одна «изюминка» из творческого наследия художника будет выставлена в «Soviart». «Энергетический портрет одной всем знакомой девушки», авторская интерпретация образа Джоконды великого Леонардо, была создана художником почти 20 лет назад. В прошлом году эта работа с успехом выставлялась в Париже, а в этом украсит персональную выставку живописца в Киеве.