«Композиторы XXI века – детям» Андрей Классен Бекетова Нина Александровна Муниципальное автономное образовательное учреждение культуры дошкольного образования детей Детская музыкальная школа Хабаровский край, г.Комсомольск на Амуре Всероссийский фестиваль передового педагогического опыта "Современные методы и приемы обучения" Электронное периодическое издание НАУКОГРАД

Андрей Классен родился14 января 1955г. В маленьком шахтерском городке Сарани под Карагандой в семье ссыльных немцев.Его отец,Абрам Абрамович,был баянистом-самоучкой. Мать, Мария Генриховна, играла на семиструнной гитаре и имела великолепный голос. Две его сестры, Елена и Елизавета получили музыкальное образование, в настоящее время живут и преподают в музыкальных школах в Германии.

Студенческие годы Выпуск пианистов 1974г. Темиртавское музыкальное училище. В 1979 г. окончил Новосибирскую Государственную консерваторию им.Глинки по классу фортепиано. В1984г. окончил аспирантуру на фортепианной кафедре Института Искусств в г. Владивосток.

К числу наиболее крупных проектов Андрея Классена можно отнести запись оркестровой партитуры оперы композитора-романтика Густава Шмидта(,Женская верность).Удалось воссоздать оркестровое звучание партитуры и исполнить эту оперу на Оперном Фестивале в г.Вейнсберге на развалинах того замка,где проходили события в 1140г.

К его последним сочинениям относится песня на стихи Эллы Герасименко Если сердце музыкой живет для детского хора со струнным ансамблем и фортепиано,которую посвятил Детской Школе Искусств им. Даргомыжского в г. Москвы. Это произведение впервые прозвучит в марте 2013г. в стенах школы в рамках празднования 200-летия Даргомыжского.

Использованные ресурсы Частная переписка с композитором на интернет-сайте Андрея Классен; Klassen-mussikveland.de,htt://vkontakte.ru Klassen-mussikveland.de,htt://vkontakte.ru,2012 г.; Андрей Классен «Музыкальные эскизы» I тетрадь, II тетрадь, 1996 г. ; Андрей Классен «Пьесы для детей в 2 и 4 руки», 1998 г.

«КОМПОЗИТОР XXI ВЕКА»

Один день был посвящен прослушиванию членами жюри аудиозаписей композиторских работ, присланных участниками из дальних уголков России и зарубежья, а три дня конкурсные выступления проходили в присутствии слушателей. Мне довелось наблюдать удивительное содружество и сотворчество участников, членов жюри и публики, пока еще, надо признать, немногочисленной, но однозначно заинтересованной. Похоже, вопрос о количестве слушателей на подобных мероприятиях не снимается с повестки дня, и сама жизнь является «заказчиком» нового конкурса – именно потому, что тотального пробуждения интереса к современной музыке пока не наблюдается. И хочется думать, что молва о конкурсе привлечет к нему в будущем более широкую аудиторию, ибо непридуманным этот конкурс является потому, что среди изобилия разных состязаний именно такого в России явно недоставало, и «Композитору XXI века» вселяющее оптимизм «малое пробуждение» все же удалось.

Оргкомитет и жюри

Учредителем и организатором конкурса выступила Автономная некоммерческая организация «Международная академия музыкальных инноваций», в этом году отмечающая десятилетие своей деятельности. Президент конкурса и глава оргкомитета Игорь Евард вокруг идеи возрождения интереса к современному композиторскому искусству объединил высокопрофессиональных заслуженных музыкантов: народного артиста РФ, председателя Союза композиторов России Владислава Казенина, с честью возглавившего жюри конкурса, профессора ГМПИ им. М.М. Ипполитова-Иванова Ефрема Подгайца, заслуженную артистку РФ, профессора РАМ им. Гнесиных Рузанну Лисициан, народного артиста РФ, директора Калининградской областной филармонии Виктора Бобкова, а также солистов Московской государственной академической филармонии, лауреатов международных конкурсов Екатерину Мечетину и Кирилла Родина.

Концепция

Конкурс «Композитор XXI века», конечно же, предоставил возможность проявить себя и композиторам, и исполнителям, ибо хорошо известно, что композиторы не могут существовать отдельно от исполнителей, а исполнителям необходимо найти свой современный репертуар. И в данном случае мы имеем дело с конкурсом в конкурсе, который весьма элегантно связал воедино две составляющие рождения новой музыки.

К участию в конкурсе в качестве композиторских работ принимались сочинения, представленные в оргкомитет в форме соответствующего нотного материала и – что особенно актуально для дистанционных участников – в виде аудио– или видеозаписей. Очерченный жанр сочинений ограничивался их предназначенностью либо вокалистам, либо ансамблям различных составов с числом участников, не превышающим пяти. В качестве исполнителей и композиторов к соревнованиям допускались конкурсанты со специальным музыкальным образованием, студенты и выпускники музыкальных вузов и колледжей (не только России). Оценка работ единосоставным жюри осуществлялась по трем независимым номинациям. В композиторской номинации «Премьера года» и исполнительской номинации «Ансамбли» (дуэт, трио, квартет, квинтет) могли участвовать конкурсанты в возрасте от 17 лет без установления верхней границы. В номинации «Академический вокал» были предусмотрены две возрастные категории: группа А (от 17 до 21 года) и группа В (от 22 до 40 лет).

В номинации «Академический вокал» в группах А и Б одно произведение современного композитора любой страны, написанное после 1980 года, исполнялось по своему выбору, а другое – из числа рекомендуемых на официальном сайте конкурса www.muzkult.ru. В номинации «Ансамбли», хотя рекомендованные сочинения также можно было найти на этом сайте, конкурсные сочинения предлагалось выбрать самим авторам: полностью или фрагментарно они должны были исполнять одно или два произведения композиторов любой страны, написанные после 2000 года.

В соответствии с Положением конкурса победители в композиторской номинации «Премьера года» выявлялись с помощью аудиопрослушивания (23 января), а затем и на конкурсных выступлениях полуфинала (24 и 25 января) в Органном зале «На Кисловке». 26 января соревнование продолжилось только для исполнителей: на сцене Большого зала Московского дома композиторов финалисты исполняли по выбору жюри одно из уже представленных ранее сочинений, – то есть победители в номинациях «Ансамбли» и «Академический вокал» определялись по результатам двух туров.

Общее количество заявок было велико, в число участников полуфинала автоматически включались только лауреаты региональных и международных конкурсов. Конкурсанту, желающему участвовать в нескольких номинациях, открывались дополнительные возможности, а концертмейстер (аккомпаниатор вокалиста) мог при желании выступить и в качестве участника ансамбля. За четыре дня жюри ознакомилось с композиторскими работами 39 конкурсантов, прослушало 22 вокалиста и 19 разносоставных ансамблей.

По насыщенности и репертуарному разнообразию программы конкурс оказался едва ли не первопроходцем в своем роде. И хотя далеко не все из услышанных сочинений впечатлили меня в полной мере, три дня «работы» в качестве слушателя вспоминаются с приятным «послевкусием».

Впечатления на фоне результатов

Три дня публичных прослушиваний – в абсолютном исчислении это много или мало? Кажется, что мало, но и за три дня конкурс сумел доказать, что современная музыка – далеко не «страшилка». Новая музыка предстала материализованной в звуках субстанцией явно с человеческим лицом. У меня сформировалось мнение, что по большей части композиторы-конкурсанты стали писать – а исполнители-конкурсанты как раз и выбирать – не произведения с «тягучим скрежетом струн» или ярко выраженной сонористикой (хотя, конечно, среди услышанного встречались и такие примеры), а музыку, непривычно мелодичную для устойчивого клише современных звучностей, выбирали опусы, определенно делающие реверанс в сторону классической традиции, но однозначно экспериментальные, а потому безусловно современные. Это говорит о том, что сформировалось новое поколение музыкантов, явно уставших от «авангарда» и примата в музыкальном произведении в качестве самоцели именно формы – формы, как правило, сложной, изощренно «закрученной», но абсолютно бесполезной, когда нет мелодики, когда сердце музыки не бьется, а ее душа молчит. Формально любой звукоряд вполне можно выдать за музыку, но ведь не каждая последовательность и не каждое сочетание звуков рождает именно ту музыку, которая находит отклик в душе слушателя. Иногда мне кажется, что только отсутствие мелодического дара у иных композиторов и ничто иное провоцирует их на весьма сомнительные, иррациональные эксперименты, ведущие в никуда и явно отдаляющие от себя слушателей. На этом же конкурсе простота и естественность музыкальной выразительности над лабораторными гибридами композиторской формы однозначно превалировала. При этом важно заметить, что «просто» – вовсе не значит «примитивно», а «сложно» – вовсе не значит «хорошо». Так что среди коллапса, к которому привели наиболее радикальные направления сегодняшней композиции, мы что-то упустили, не заметили что-то очень важное – то, что привычную слушательскую индиферрентность по отношению к современным опусам буквально всколыхнуло на этом конкурсе и заставило, наконец, слушать музыку с неподдельным интересом. Именно поэтому всю актуальность обсуждаемого события переоценить крайне сложно. И вот уже на церемонии награждения победителей, состоявшейся сразу после концерта-финала, звучат имена лауреатов и дипломантов.

В номинации «Премьера года» награды распределились следующим образом:
I премия – Татьяна Шатковская-Айзенберг (Москва);
II премия – Алексей Павлючук (Саратов), Александр Типаков (Калуга);
III премия – Эльмир Низамов (Казань).

Звания дипломантов удостоены Вячеслав Семенов (Москва), Николай Михеев (Якутск), Сельби Ниязова (Ашхабад, Туркмения), Нодирбек Махаров (Ташкент, Узбекистан), Мария Егорова (Москва).

В номинации «Ансамбли» лауреатами стали:
I премия – квинтет «Fandango (Москва): Максим Федоров (баян), Семен Денисов (первая скрипка), Иван Муратиди (вторая скрипка), Артем Валентинов (альт), Василий Ратькин (виолончель);
II премия – дуэт «Una sinistra» (Москва): Александр Селиванов (баян), Юлия Америкова (аккордеон);
III премия – Ансамбль Татьяны Шатковской-Айзенберг (Москва): Елизавета Кошкина (скрипка), Мария Власова (аккордеон), Наталья Семенова (сопрано), Никита Морозов (гитара), Рамон Айзенберг (мелодекламация).

Звания дипломантов удостоены квинтет п/р Ирины Красотиной (Москва) в составе Марии Нефедовой (виолончель), Татьяны Федоровой (скрипка), Маргариты Брындиной (фортепиано), Алексея Заводова (кларнет) и Варвары Мистюковой (флейта), а также дуэт (Москва) в составе Максима Золотаренко (виолончель) и Елены Золотовой (сопрано).

Награды в номинации «Академический вокал» (группа Б):
I премия – Мария Патрушева (меццо-сопрано, Москва), Владислав Дорожкин (бас, Москва);
II премия – Даниил Вильперт (баритон, Саратов);
III премия – Елена Золотова (сопрано, Москва).

Звания дипломантов удостоены Гульбану Ержанова (сопрано, Астана, Казахстан), Ольга Вишневская (сопрано, Энгельс, Саратовская область), Дмитрий Сиваков (баритон, Минск, Беларусь), Надежда Орлова (сопрано, Москва), а также (в группе А) – Динара Таубекова (сопрано, Актобе, Казахстан).

Всем лауреатам и дипломантам были вручены ценные подарки – комплекты нот от музыкального издательства «П.Юргенсон». Кроме этого специальная премия по единогласному решению жюри была присуждена лучшему концертмейстеру конкурса – Михаилу Турпанову. Тем участникам, которые не стали ни лауреатами, ни дипломантами, были вручены дипломы за участие. Наконец, абсолютно все участники получили значки с эмблемой конкурса.

В живом исполнении в номинации «Премьера года» мы имели возможность услышать сочинения лишь двух лауреатов и двух дипломантов. Испанские сцены на слова Г.Лорки для сопрано, чтеца, скрипки, гитары и аккордеона «El y Ella» («Он и Она») Т.Шатковской-Айзенберг прозвучали в исполнении ее ансамбля, и этот опус поразивший своей тонкой музыкально-драматургической синкретикой, стал подлинным хитом конкурсной программы. Причина, как бы разумеющаяся сама собой, – его рафинированно стилизованный испанский колорит. Но это сочинение с ярко выраженным постепенным движением от мрака к свету в отношениях двух индивидов подкупает, прежде всего, завораживающей глубиной своего вокально-вербального психологизма, и его успех во многом обусловлен исполнительницей партии сопрано Н.Семеновой. На мой взгляд, этой певице принадлежит и самая осмысленная, самая тонкая интерпретация на конкурсе лирического романса И.Еварда «Гитара» на стихи Г.Лорки в переводе М.Цветаевой. В этой упоительно-чувственной вокальной миниатюре, пользовавшейся у конкурсантов-исполнителей невероятной популярностью (в полуфинале она была исполнена 6 раз), хороша была и меццо-сопрано М.Патрушева, но ее манеру отличала некая «пережатость», «передержанность» вокально-драматического посыла (впрочем, не выводившая из сферы профессионально выстроенного исполнения). Эта певица представила также сочинение дипломанта конкурса М.Егоровой – арию Фаины (на стихи А.Блока) из оперы «Брегет» (по А.Куприну). Но этот, насколько можно судить, вставной оперный номер особо яркого впечатления не произвел, хотя по форме и напомнил вполне «классическую» арию-речитатив.

Фантазия для баса и фортепиано «Три молодца» на слова из собрания народных песен П.Киреевского, написанная А.Типаковым и задорно-лукаво исполненная Вадимом Прикладовским, в конкурсе не участвовавшим, была воспринята как весьма действенный «энергетический антидепрессант». Через отправной фольклорный базис вдруг отчетливо проступило ликование простого и бесхитростного, но очень светлого, солнечного бытия. Между прочим, внутренним светом и экспрессией свободы была наполнена и великолепно ярко прозвучавшая на конкурсе музыка И.Еварда: Квинтет № 3 исполнил квинтет п/р И.Красотиной, а Квартет № 3 – московский квартет п/р Анны Янчишиной. Эти ансамбли доставили истинное удовольствие своей профессиональной игровой формой. Но все же убедительным лидером в этой номинации, исполнившим «космически-экспериментальную» пьесу Е.Подгайца «Ex Animo» для баяна и струнного квартета, стал квинтет «Fandango». Этот опус, несомненно интересный своими звуковыми находками, стал своеобразной одой баяну, звучание которого в контексте современной академической музыки осмысливается сравнительно недавно.

И все же подлинный урожай композиторских работ, воздающих заслуженную дань уважения не только баяну, но и аккордеону, представил на конкурс В.Семенов. Феноменально виртуозный дуэт «Una sinistra» исполнил две его восхитительные пьесы – «Праздник в горах» из «Балканской рапсодии» и «Вальс-каприс». «Вальс-каприс», но в ином переложении, а также «Музыкальное приношение» очень мило и изящно прозвучали в исполнении московского инструментального дуэта в составе баяниста Льва Лаврова и домристки Александры Вороновой. Использование баяна в качестве солирующего инструмента в жанре концерта хотя и вызвало определенный интерес, лично меня оставило равнодушным. В Концерте для баяна с оркестром «Фрески» В.Семенова (переложение для баяна и фортепиано в трех частях), который исполнил инструментальный дуэт из Москвы в составе пианиста Дениса Чефанова и баянистки Екатерины Уткиной, мне больше импонировала партия «оркестра-фортепиано», а не сольного инструмента. Но это, повторю, сугубо личное мнение.

Вернемся к вокалистам. В лице В.Дорожкина два весьма любопытных опуса Е.Подгайца нашли своего идеального интерпретатора: обстоятельно проработанная ария Беса из оперы «Ангел и психотеравпевт» и в особенности тонко-сатирическая вокальная зарисовка «Нос» на слова И.Иртеньева. Если В.Дорожкин – обладатель роскошного благородного баса, то вокальные данные Д.Вильперта существенно скромнее. Однако, несмотря на резонирующее силовое звучание его голоса, отказать певцу в артистическом кураже было решительно невозможно. Он представил арию Мефисто из оперы В.Кобекина «Маргарита» и был единственным мужским голосом, исполнившим «Гитару» И.Еварда. На контрасте это было очень даже интересно, но мне звучание в этом сочинении женского голоса кажется более предпочтительным.

Еще один пример явно обращающего на себя артистизма при весьма скромных вокальных и технических данных – интерпретация, пожалуй, самого «ударного» конкурсного номера, который оставить равнодушным не смог, думается, никого. Речь о достаточно большом, кажущимся бесконечным из-за многочисленных повторов, фрагменте «Тучи в небе тлеют» из оперы И.Соколова «Чудо любит пятки греть». Этот вполне поэтичный текст А.Введенского в «отчаянно бурном» музыкальном сопровождении концертмейстера М.Турпанова и вокальной, на грани гротеска, интерпретации Е.Золотовой неожиданно предстал «гремучей смесью» музыкального сюрреализма и соцреализма. В пандан к этому дуэт М.Золотаренко и Е.Золотовой исполнил «Диптих» для голоса и виолончели Т.Смирновой с названиями частей «Silentium» и «Scherzo pizzicato», в котором в каждой части «на все лады», собственно, и распевались сами названия этих частей.

Вокалисты – представительницы Казахстана Г.Ержанова и Д.Таубекова, а также представитель Беларуси Д.Сиваков – наиболее уверенно заявили о себе в своем национальном репертуаре. Но, говоря о дипломантах, особо хочется сказать о Н.Орловой, певице, которая благодаря своему яркому, полному жизни и артистической свободы выступлению в полуфинале, на мой взгляд, несомненно, должна была претендовать на звание лауреата. Но отчаиваться нет причин: певица еще молода, и ей надо идти дальше, ведь все необходимые задатки у нее есть – чувственный голос и осмысленное интонирование, вокальный драматизм и пластично-мягкое звуковедение. Н.Орлова – единственная, кто обращался на конкурсе к романсу И.Еварда «Ветер» по мотивам произведений Г.Лорки в переводе Б.Дубина и А.Гелескула, и музыкально-поэтическая притча о девушке-водянице единожды пленила своей грустной и холодной романтикой. Но подлинным откровением стало исполнение певицей фрагмента из монооперы М.Таривердиева «Ожидание».

Впечатлений за три полновесных дня конкурса накопилось столько, что хоть целую книгу пиши, но моя цель куда скромнее. И поэтому, завершая разговор о вокалистах и наиболее ярких личных впечатлениях от этого музыкального состязания в целом, вновь обращусь к певице Н.Семеновой. В одном из номеров в номинации «Вокалисты» она солировала в произведении Анны Шатковской «Великий поток» для голоса, струнного квартета и фортепиано на текст суфийской молитвы Хатум: помогал певице Ансамбль «XX век» (Москва), в конкурсе не участвовавший, а партия фортепиано звучала в исполнении композитора. Это сочинение вызвало много споров, но лично меня его живая и яркая эклектика по-настоящему захватила. «Великий поток» увлек в океан медитации, в стихию необычного, но очень органичного содружества вокала и звуковых исканий, в которых многое было невероятно свежо и органично цельно.

И последнее, о чем хотелось бы сказать. Перед финалом конкурса в Союзе композиторов России состоялся интереснейший разговор в рамках круглого стола на тему «Современная музыка – вечный спор?..», причем присутствовать могли все желающие: и участники конкурса, и музыканты, и слушатели. Тему круглого стола изначально предложила его ведущая – доцент РАМ им. Гнесиных Валида Келле. Начиная разговор и подводя к ситуации, сложившейся на конкурсе, В.Келле заметила, что, по-видимому, кем-то сознательно поставленный в конце темы знак вопроса с отточием, отсутствовавший в ее первоначальной формулировке, ставит эту вечность спора под сомнение. Конечно, спор существует, но при этом мы лишний раз убеждаемся, что желание примирить новое и старое в сфере академической музыки подспудно живет внутри каждого из нас. Однако это, как говорится, уже начало новой главы.

Корябин Игорь
28.02.2013

Можно, конечно, заметить, что разделение между XX и XXI веками весьма условно. И действительно, большинство современных композиторов завоевали популярность ещё в прошлом веке. Но мы в нашей книге решили провести деление именно по такому принципу, какой редко встретишь в других книгах, посвящённых классической музыке.

Все упомянутые здесь композиторы значительную часть своих произведений сочинили в XX веке. Тем не менее все они внесли вклад в развитие классической музыки двадцать первого столетия.

Мы надеемся, что по прошествии времени разделение между XX и XXI веками всё же будет сделано. Мы пока ещё находимся слишком близко к этой границы, чтобы определить, где заканчивается один период и начинается другой, но уверены, что будущие историки музыки обязательно отделят одно от другого, как это был с прочими описанными в нашей книге периодами, начиная со Средневековья.

С 2004 года Питер Максвелл Дэвис (чаще всего его называют просто Макс) занимает должность профессора композиции в Королевской академии музыки, и в этом отношении его можно назвать коллегой многих замечательных музыкантов, включая Эдуарда Элгара.

Музыкальное образование Дэвис получал в Королевском манчестерском колледже вместе с другими молодыми британскими композиторами, такими как Харрисон Бёртуистл; вместе их называли даже Манчестерской школой.

Позже Дэвис обучался в Италии и США, а по возвращении в Англию занимался преподавательской деятельностью, написав много произведений для школьников.

Помимо оперы Тавернер, посвящённой жизни Джона Тавернера, который упомянут во второй главе нашей книги, он создал восхитительную Антарктическую симфонию, в основу которой легли впечатления от посещения места, находящегося буквально на краю света.

Похоже, что красоты удалённых географических точек обладают для Дэвиса каким – то особым очарованием, потому что с 1971 года он живёт на Оркнейских островах, черпая вдохновение в местных морских пейзажах.

Одно из самых популярных среди слушателей Classic FM произведений Дэвиса называется Прощание со Стромнессом – сольное сочинение для фортепиано, написанное в знак протеста против возведения завода по переработке ядерных отходов на одном из Оркнейских островов.

Славу Хенрику Гурецкому принесла его Симфония № 3 с подзаголовком Симфония скорбных песен. Запись, выполненная с участием сопрано Дон Апшоу и оркестра «Лондонская симфониетта» стала настоящим хитом на радио Classic FM в 1992 году. Слова, которые Гурецкий положил на музыку во второй части симфонии, были написаны на стене камеры гестапо рукой одной девушки во время Второй мировой войны. В результате получилась чрезвычайно трогательная и волнующая душу слушателей песня.

В начале своей деятельности Гурецкий написал много экспериментальных произведений, имеющих мало общего с его более поздними сочинениями.

Композитор отличался большим религиозным чувством, что особенно ощущается в его музыке последних лет.

Если бы мы поставили себе задачу разделить композиторов XXI века по школам, то стоило бы признать, что музыка Хенрика Гурецкого очень близка к музыке Арво Пярта и Джона Тавенера. Все они прославились своими хоровыми произведениями с ярко выраженными религиозными мотивами, что объясняется идеологическими взглядами их авторов. Компакт – диски с записью их музыки пользуются большим успехом, но успех этот также основан скорее на привлекательных для слушателей духовных качествах, чем на каких – то коммерческих схемах распространения и продаж.

Ранние произведения Пярта довольно сложны для восприятия, но в 1969 году он принял православие и семь лет ничего не сочинял. Когда же он вновь принялся писать музыку, то она обрела те черты, которые мы в ней ценим сегодня, – ясный и чёткий звук, лаконичность, воздушность, что делает её необычайно прекрасной и вместе с тем ненавязчивой.

Как и Арво Пярт, Джон Тавенер принял православие; при этом в его музыке прослеживаются как христианские, так и мусульманские, и индийские мотивы.

Любопытно, что одним из своих первых успехов Тавенер обязан Ринго Старру. Брат Тавенера делал ремонт в доме легендарного барабанщика и дал ему копию Кельтского реквиема Тавенера. Это произведение настолько понравилось Старру, что он выпустил его под торговой маркой Apple самих «Битлз».

Впрочем, широкую аудиторию музыка Тавенера привлека в 1997 году, когда его Песня для Афины была исполнена на похоронах принцессы Дианы в Вестминстерском аббатстве.

Тавенер часто сочиняет для какого – то конкретного исполнителя. Так он написал серию произведений специально для сопрано Патрисии Розарио. Покров Пресвятой Богородицы – одна из его недавних невокальных работ, была написана для виолончелиста Стивена Иссерилиса.

Как мы уже говорили раньше, но повторим снова, не следует путать этого композитора с Джоном Тавернером, родившемся в 1490 году. Их фамилии отличаются всего на одну букву.

За время своей длительной и плодотворной карьеры Филипп Гласс отличился практически во всех жанрах классической музыки, к каким только прикладывал руку.

Гласс обучался в нью – йоркской Джульярдской школе и в Париже, после чего долгое время изучал индийскую музыку, традиционное звучание которой продолжает очаровывать его до сих пор.

Гласс, наряду со Стивеном Райхом и Терри Рили, – один из ведущих представителей минимализма. Этот стиль музыки обманчиво прост, в ней часто много раз повторяются одни и те же ноты, оказывая нечто вроде гипнотизирующего эффекта на слушателей.

Большинство произведений Гласса исполняла его собственная группа «Ансамбль Филиппа Гласса», но он также писал и для оркестров, и на настоящий момент самое популярное его сочинение – Концерт для скрипки. Большим успехом пользовалась и его музыка к фильму «Часы» Стивера Долдри.

Джон Раттер – необычайно популярный композитор XXI столетия – его музыку исполняют гораздо чаще, чем музыку других современников. В Великобритании и США его особенно прославили яркие и мелодичные хоральные произведения. Специализацией Раттера по праву можно назвать рождественские песни и гимны – сейчас даже невозможно представить себе рождественский концерт, на котором бы не исполнилось хотя бы одно его сочинение.

Как и Питер Максвелл Дэвис, Раттер написал несколько произведений специально для молодёжи. Его Реквием, который многие считают лучшим сочинением Раттера, особенно популярен среди любительских групп молодых певцов, и партитуры этого сочинения пользуются большим спросом в Великобритании и США.

Раттер проживает в Кембридже, где в 1979 году основал коллектив «Кембриджские певцы». С тех пор они исполнили много изумительных произведений этого композитора.

Валлиец Карл Дженкинс – ещё один коммерчески успешный композитор, музыку которого слушатели Classic FM приняли близко к сердцу. В течение нескольких лет он занимал высшее место среди британских композиторов в ежегодном опросе, проводимом нашим радио.

Закончив обучение в Университете Уэльса и в Королевской академии музыки, Дженкинс начал выступать как джазовый музыкант и в 1970–х годах состоял в группе «Soft Machine». Затем он стал писать музыку для телерекламы и завоевал много наград в этой области.

В настоящее время Дженкинс известен как композитор классической музыки. Благодаря своему сочинению Adiemus: Песни святилища он впервые попал в списки самых популярных композиторов, что само по себе уже немалое достижение для нашего современника. Его запоминающийся и узнаваемый стиль, представляющий собой сочетание хоровой и оркестровой музыки, завоевал признание по всему миру и принёс ему семнадцать золотых и платиновых альбомов. Одним из самых ярких его хитов стал Вооружённый человек (месса мира) с особенно прекрасным соло виолончели в части Benedictus.

Вряд ли кто – то назовёт бывшего члена легендарной четвёрки «Битлз» классическим композитором, но Пол Маккартни в последнее время доказал – он может сочинять кое – что и помимо роки поп – музыки. Он всегда отличался склонностью к мелодичности, и это ясно ощущается в его классических произведениях.

Впервые Маккартни вторгся в область классической музыки, написав Ливерпульскую ораторию – дань уважения Пола к своему родному городу; премьера её состоялась в ливерпульском Англиканском соборе в 1991 году.

Вслед за этим последовал альбом Working Classical, представляющий собой сборник оркестровых и камерных произведений, а после вышел повторивший успех своего предшественника альбом Standing Stone с произведениями для хора и оркестра.

В конце 2006 года Маккартни выпустил свой новый альбом под названием Ecce Cor Meum – записанная на нём музыка представляет собой ораторию в четырёх частях.

Кстати, интересный факт: отрывки из Симфонии № 9 Бетховена и Лоэнгрина Вагнера звучат в фильме «Битлз» «Help!».

Лудовико Эйнауди не только сочиняет музыку, но и лично исполняет её во время гастролей, особенно он любит выступать в Великобритании, Германии и своей родной Италии. Музыкальное образование он получил в Милане, а потом продолжил обучение у известного итальянского композитора Лучано Берио.

Своей популярностью Эйнауди обязан прежде всего своим альбомам сольных фортепианных произведений: Le Onde, созданным по мотивам романа «Волны» Вирджинии Вульф, и I Giorni, сочиненным под впечатлением от путешествия по Африке, особенно в Мали. Он также написал музыку к ряду итальянских фильмов.

Джоби Толбот – самый молодой композитор из упомянутых в нашей книге, и он же первым стал героем программы «Домашний композитор» («Composer in Residence»). Компакт – диск Однажды вокруг солнца стал завершением этого проекта длиною в год.

Толбот получил образование в лондонской Гилдхоллской школе музыки и драмы. Некоторое время он выступал в поп – группе «Божественная комедия», но потом стал сочинять классическую музыку, а также музыку к фильмам и телевизионным программам.

Среди фильмов, музыку к которым писал Толбот, – «Жилец» (ремейк фильма Хичкока) и «Автостопом по галактике». Среди телефильмов – «Робби – северный олень» и «Лига джентльменов».

В 2006 году «Домашним композитором» Classic FM стал Патрик Хоз, сменив на этом посту Джоби Толбота. В последние годы он приобрёл особую популярность у английской публики. Его альбом Towards the Light составлен на основе его ежемесячных радиопрограмм.

Первый альбом Хоза, Blue in Blue, поставил рекорд по времени, прошедшего с момента выпуска до момента попадания его в «Зал славы» Classic FM – верхнюю строчку в рейтингах он занял через несколько месяцев после того, как поступил в продажу. Особенно слушателям понравилось его прекрасное хоровое сочинение Quanta Qualia.

Музыка Хоза продолжает английскую романтическую традицию Делиуса и Воан – Уильямса, хотя Хоз особенно интересуется музыкой эпохи Возрождения и барокко – именно её он изучал в Даремском университете.

Хоз также писал для телевидения и кинематографа; особенно известна его музыка к фильму «Невероятная миссис Ричи».

Наша последняя группа композиторов XXI века обрела широкую известность прежде всего как сочинители саундтреков к фильмам. Как вы помните, во вступлении мы писали, что такие композиторы следуют давней традиции и что музыку к кинофильмам писали такие знаменитости, как Сен – Санс, Копленд, Воан – Уильямс, Уолтон, Прокофьев и Шостакович.

Итак, титул «музыкального короля экрана» получает Джон Уильямс – он и только он. По настоящее время этот композитор сочинил музыку более чем для ста различных фильмов. Киноиндустрия оценила такой вклад по достоинству: сорок пять раз он был номинирован на «Оскар» и пять раз уносил домой золотую статуэтку; девятнадцать раз был номинирован на премию «Золотой глобус» и три раза получал её; тринадцать раз был номинирован на премию «Эмми» и дважды выигрывал. Похоже, что каминная полка в его доме нуждается в серьёзной переделке, ведь нешуточный вес наград грозит обрушить её.

Уильямс родился в Нью – Йорке в 1932 году, а в 1948–м вместе с семьёй переехал в Лос – Анджелес. Музыкой он увлекался с детства, но, закончив первоначальное обучение, некоторое время служил в ВВС США. После этого Уильямс переехал в Нью – Йорк, чтобы продолжить образование, на этот раз в известной Джульярдской школе. По вечерам он зарабатывал, играя на фортепиано в джаз – клубах Манхэттена.

Наконец Уильямс переехал обратно в Лос – Анджелес, где начал работать в кино – и телеиндустрии. В 1960–х годах он написал ключевые мелодии ко многим популярным американским телепрограммам.

В 1973 году Уильямс познакомился с режиссёром Стивеном Спилбергом, с которым у него сложились плодотворные творческие отношения. Их первый совместный фильм назывался «Шугарлендский экспресс». С тех пор у них выходил один блокбастер за другим. Уильямс также успешно сотрудничал с режиссёром «Звёздных войн» Джорджем Лукасом в работе над всеми шестью сериями киноэпопеи.

Несмотря на то что у Уильямса есть возможность пользоваться компьютерными программами, он предпочитает писать музыку по старинке: подбирает мелодию на фортепиано и записывает её карандашом на бумаге. Это довольно тяжёлая работа – иногда ему даётся всего восемь недель на то, чтобы написать два часа музыкального сопровождения к фильму для всего оркестра.

Джон Барри – британский ответ Джону Уильямсу. Барри родился в Йорке, где его отец занимался кинобизнесом, и с детства восхищался киноискусством.

Барри сочиняет музыку к фильмам более тридцати лет. В его активе такие фильмы, как «Зулусы»,

«Досье «Ипкресс»», «Рождённая свободной», «Полуночный ковбой», «Кинг – Конг», «Бездна», «Чаплин» и «Непристойное предложение».

Пожалуй, самая известная работа Барри – это музыка к фильмам про Джеймса Бонда: «Доктор Но» (только титры), «Из России с любовью», «Голдфингер», «Шаровая молния», «Живёшь только дважды», «На секретной службе Её Величества», «Бриллианты навсегда», «Человек с золотым пистолетом», «Лунный гонщик», «Осьминожка», «Вид на убийство» и «Искры из глаз».

Величайшим достижением Барри можно назвать музыку к кинофильмам «Из Африки» 1985 года и «Танцы с волками» 1990 года. Не случайно, что в этих фильмах широко используются открытые ландшафты – виды, которые идеально подходят к роскошным, эпическим мотивам Барри. Режиссёр фильма «Из Африки», Сидней Поллак, о Барри сказал следующее:

«Невозможно слушать его музыку, не представляя в голове кадры из фильмов».

Этот фильм помог получить Барри четвёртого «Оскара» и «Золотой глобус». Фильм «Танцы с волками» принёс ему пятого «Оскара» и премию «Грэмми» за лучшую инструментальную композицию.

Beyondness of Things – первый альбом Барри, в котором фигурирует классическая музыка, не служащая саундтреком к фильмам. В данном случае отсутствие видеосопровождения нисколько не умаляет достоинства этих музыкальных произведений.

Список композиторов XXI века был бы неполон без упоминания канадца Говарда Шора, который написал саундтрек ко всем фильмам трилогии Питера Джексона «Властелин колец».

Всякий раз, как мы просим слушателей Classic FM проголосовать за самый лучший саундтрек к своим любимым фильмам, музыка из «Властелина колец» оказывается в верхних строках списка.

Любопытный факт: говорят, что Шор сам появляется в кадре в роли роханского стражника в режиссёрской версии фильма «Властелин колец. Возвращение короля».

Джеймс Хорнер родился в Америке и начал учиться игре на фортепиано с пяти лет. Закончив обучение в лондонском Королевском колледже музыки, он вернулся в Калифорнию, где получил ряд учёных степеней в области музыки, включая доктора музыкальной композиции и теории.

Первой крупной работой Хорнера в кинематографе стал саундтрек к фильму «Звёздный путь. Гнев Хана» в 1982 году, и с тех пор он сотрудничал с такими режиссёрами, как Стивен Спилберг, Оливер Стоун и Рон Ховард. Всего он работал над созданием более ста фильмов.

Джеймс Хорнер стал одним из самых удачливых композиторов, завоевав три награды «Грэмми» и два «Оскара»; помимо этого его ещё пять раз номинировали на «Оскара» и четыре раза на «Золотой глобус». Наиболее известная его работа – музыка к фильму «Титаник».

Ханс Циммер родился во Франкфурте, и свою карьеру музыканта он начал в мире поп – музыки в составе группы «The Buggies». Их хит «Видео убило звезду радио» стал первым видеоклипом, показанным на MTV.

Циммер работал помощником Стэнли Майерса и написал много запоминающихся мелодий к телепрограммам. В кинематографе он прославился удачным сочетанием электронной музыки с традиционным оркестровым звучанием. Главным его успехом считается саундтрек к фильму «Гладиатор», и во всём мире было продано три миллиона его копий.

И вот мы подходим к концу нашего путешествия в мир классической музыки – путешествия, которое охватывало более тысячи лет и которое, как мы уверены, на этом вовсе не заканчивается.

Мы начали с Амвросия и Григория, создавших первые правила хорового пения, прошли через эпохи Средневековья, Возрождения и барокко, задержались ненадолго в классическом периоде, познакомились с композиторами – романтиками и закончили музыкой, написанной за последнее столетие.

Какое место уготовано классической музыке в XXI веке? Неужели она из последних сил отчаянно борется за своё место под солнцем? Напротив, в наши дни её позиции крепки как никогда. Стоит

заметить, что из ста восьми композиторов, упомянутых в нашей книге, пятьдесят четыре жили и творили в последние сто лет. Похоже, что этот вид искусства продолжит развиваться дальше и радовать нас своими новыми формами.

Классическая музыка – живое и развивающееся искусство, которое будет совершенствоваться и радовать нас своими звуками, пока существует человечество.

Международный Союз Композиторов XXI ВЕК – некоммерческое объединение профессиональных композиторов.

Поскольку реализация проекта и его функционирование происходит в разных странах, было принято решение для каждой конкретной страны выбирать наиболее удобную и наименее проблемную форму существования. Для России это – «Общественная организация без образования юридического лица».

Таким образом на территории РФ наша деятельность регламентируется:

1. ФЗ «Об общественных организациях»
2. Гражданским кодексом
3. ФЗ «О некоммерческих организациях»

Центральное представительство Союза находится в Испании (точный адрес можно посмотреть в разделе «Контакты»). Термин «центральное представительство» здесь условный, поскольку принципы и технологии функционирования и развития нашего Союза композиторов предполагают универсальность и коллегиальность управления, а современные средства коммуникации позволяют мгновенный обмен информацией вне границ областей и государств.

Подробнее о принципах существования Международного Союза Композиторов XXI ВЕК можно

Критерии одобрения заявок описаны в и предполагают наличие профессиональных навыков кандидата и наличие реализованных проектов.

Международный Союз Композиторов XXI ВЕК не узконаправленная организация. Мы с радостью сотрудничаем и с дирижерами, и с руководителями хоров и оркестров, и с исполнителями, и с творческими людьми иных профильных направлений.

Уважаемые коллеги!

Необходимость в общении с коллегами – это жизненно важная особенность композиторского творчества, как и творчества вообще. Для музыки, которая является универсальным языком общения человечества, не зависящего от национальной и конфессиональной принадлежности, вопросы взаимного обмена идеями, методами и творческим опытом особенно актуальны. Это одинаково полезно и для самих композиторов, и для музыкантов-исполнителей, и для слушателей.

Другим важным аспектом деятельности организации должно стать укрепление связей между композиторами и исполнителями разных стран. Ибо нередко возникают ситуации, когда исполнитель или оркестр нуждаются в современных произведениях определённого жанра и стиля, а возможности обратиться к авторам сочинений, а тем более возможности выбора из произведений нескольких авторов весьма ограничены. Или наоборот, у композитора есть сочинение, рассчитанное на определённый состав или исполнителя, а возможностей представить это сочинение нет. Мы ставим своей задачей, как минимум, информировать музыкантов о сочинениях членов нашей организации, для чего на её сайте будет существовать специальный раздел.

Не останутся без внимания и современные технологии, призванные оптимизировать процесс, сочинения, исполнения, а также как нотной записи, так и звукозаписи музыкальных произведений. Разумеется, предпочтение будет отдаваться сочинениям академических жанров, хотя возможности представления достойных произведений легких жанров также не исключаются.

Мы открыты для любых законных форм сотрудничества, как впрочем, и для конструктивной критики, поэтому с радостью рассмотрим все предложения и пожелания заинтересованных лиц.

Почетный член «Международного Союза композиторов – 21 век» — Заслуженный деятель искусств, лауреат Государственной премии, профессор кафедры композиции и инструментовки Российской академии музыки имени Гнесиных, — Алексей Муравлев.

Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.

О каждом из этих знаменитых людей можно рассказывать много, у всех не простые, а порой и трагические судьбы, но в данном обзоре мы постарались дать только краткую характеристику жизни и творчества композиторов.

1. Михаил Иванович Глинка

(1804-1857)

Михаил Иванович Глинка в период сочинения оперы «Руслан и Людмила». 1887г., художник Илья Ефимович Репин

«Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой.»

Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его работы, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны.

Родился в Смоленской губернии, образование получил в Санкт-Петербурге. Формированию мировоззрения и основной идеи творчества Михаила Глинки способствовало непосредственное общение с такими личностями, как А.С.Пушкин, В.А.Жуковский, А.С.Грибоедов, А.А.Дельвиг. Творческий импульс его работам добавила многолетняя поездка по Европе в начале 1830-х и встречи с ведущими композиторами времени — В.Беллини, Г.Доницетти, Ф.Мендельсоном и позже с Г.Берлиозом, Дж.Мейербером.

Успех пришел к М.И.Глинке в 1836 году, после постановки оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя»), которая была восторженно встречена всеми, впервые в мировой музыке органично соединились русское хоровое искусство и европейская симфоническая и оперная практика, а также появился герой, подобный Сусанину, образ которого обобщает лучшие черты национального характера.

В.Ф.Одоевский охарактеризовал оперу «новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период — период Русской музыки».

Вторая опера — эпическая «Руслан и Людмила» (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями, и принесла М.И.Глинке тяжелые переживания. После этого он много путешествовал, попеременно живя в России и за рубежом, не прекращая сочинять. В его наследии остались романсы, симфонические и камерные работы. В 1990-х годах «Патриотическая песня» Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.

Цитата о М.И.Глинке: «Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии «Камаринская». П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем, несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Он знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.

2. Александр Порфирьевич Бородин

(1833-1887)

Александр Порьфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.

Родился в Санкт-Петербурге, с детства все окружающие отмечали его необычную активность, увлекаемость и способности в различных направлениях, в первую очередь в музыке и химии.

А.П.Бородин является русским композитором-самородком, у него не было профессиональных учителей-музыкантов, все его достижения в музыке благодаря самостоятельной работе над овладением техникой композирования.

На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки (как впрочем на всех русских композиторов 19-го века), а импульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события — во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов, известного как «Могучая кучка».

В конце 1870-х и в 1880-х А.П.Бородин много путешествует и гастролирует в Европе и Америке, встречается с передовыми композиторами своего времени, его известность растет, он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца 19-го века.

Центральное место в творчестве А.П.Бородина занимает опера «Князь Игорь» (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков). В «Князе Игоре», на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора — мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины.

Несмотря на то, что А.П.Бородин оставил относительно небольшое количество произведений, его творчество очень разноплановое и он считается одним из отцов русской симфонической музыки, оказавшим влияние на многие поколения русских и зарубежных композиторов.

Цитата о А.П.Бородине: «Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его — великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой». В.В.Стасов

Интересный факт: Именем Бородина названа химическая реакция серебряных солей карбоновых кислот с галогенами, дающая в результате галогенозамещенные углеводороды, которую он первым исследовал в 1861 году.

3. Модест Петрович Мусоргский

(1839-1881)

«Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной.»

Модест Петрович Мусоргский — один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член «Могучей кучки». Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.

Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в «Могучую кучку».

Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях — операх «Борис Годунов» и «Хованщина» запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире.

Еще одним выдающимся произведением Мусоргского является цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки», колоритные и изобретательные миниатюры пронизаны русской темой-рефреном и православной верой.

В жизни Мусоргского было все — и величие, и трагедия, но он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием.

Последние его годы были тяжелыми — жизненная неустроенность, непризнание творчества, одиночество, пристрастие к алкоголю, всё это определило его раннюю смерть в 42 года, он оставил сравнительно немного сочинений, некоторые из которых были завершены другими композиторами.

Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского предвосхитили некоторые черты музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.

Цитата о М.П.Мусоргском: «Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский» Н. К. Рерих

Интересный факт: В конце жизни Мусоргский, под давлением «друзей» Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Петр Ильич Чайковский

(1840-1893)

«Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать.»

Пётр Ильич Чайковский, пожалуй самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство. Он является одним из самых важных композиторов мировой классической музыки.

Уроженец Вятской губернии, хотя корни по отцовской линии на Украине, Чайковский с детства показал музыкальные способности, однако первое образование и работа была в области правоведения.

Чайковский — один из первых русских композиторов-«профессионалов» — теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории.

Чайковского считали «западным» композитором, в противопоставлении народным деятелям «Могучей кучки», с которыми у него были хорошие творческие и дружеские отношения, однако его творчество не менее пронизано русским духом, ему удалось уникально соединить западное симфоническое наследие Моцарта, Бетховена и Шумана с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.

Композитор вёл активную жизни — был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке.

Чайковский был человеком достаточно эмоционально неустойчивым, восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев — все эти настроения менялись в нём достаточно часто, будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.

Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского — сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах — опера, балет, симфония, камерная музыка. А содержание музыки Чайковского универсально: с неподражаемым мелодизмом она охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы, отражаются глубокие процессы духовной жизни.

Цитата композитора: «Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом — из разнообразия в единстве.»

«Большой талант требует большого трудолюбия.»

Цитата о композиторе: «Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, — до такой степени я уважаю его» А.П.Чехов

Интересный факт: Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич Римский-Корсаков

(1844-1908)

Н.А.Римский-Корсаков и А.К.Глазунов со своими учениками М.М.Черновым и В.А.Сениловым. Фото 1906 г

Николай Андреевич Римский-Корсаков — талантливый русский композитор, одна из важнейших фигур в создании бесценного отечественного музыкального достояния. Его своеобразный мир и поклонение вечной всеобъемлющей красоте мироздания, восхищения чудом бытия, единства с природой не имеют аналогов в истории музыки.

Родился в Новгородской губернии, по семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк. Музыкальное образование получил сначала от матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. И опять благодаря М.А.Балакиреву, организатору «Могучей кучки», который ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество, мир не потерял талантливого композитора.

Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют оперы — 15 работ, демонстрирующих разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений композитора, тем не менее имеющих особенный почерк — при всём богатстве оркестровой составляющей главными являются мелодичные вокальные линии.

Два основных направления отличают творчество композитора: первое — русская история, второе — мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище «сказочник».

Кроме непосредственной самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, к которым он проявлял большой интерес, а также как завершитель работ своих друзей — Даргомыжского, Мусоргского и Бородина. Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Цитата о композиторе: «Римский-Корсаков был очень русским человеком и очень русским композитором. Я считаю, что эта его исконно русская суть, его глубинная фольклорно-русская основа сегодня должна быть особенно ценима». Мстислав Ростропович

Факт о композиторе: Первый урок контрапункта Николай Андреевич начал так:

— Сейчас я буду очень много говорить, а вы будете очень внимательно слушать. Потом я буду говорить меньше, а вы будете слушать и думать, и, наконец, я совсем не буду говорить, и вы будете думать своей головой и работать самостоятельно, потому что моя задача как учителя — стать вам ненужным…